Paris Fashion Week: Dior Spring/Summer 2015

Paris Fashion Week: Dior Spring/Summer 2015

26scene-dior-slide-Q5BZ-jumbo

Увидев коллекцию Dior Spring/Summer 2015 . Я подумала , что это полный провал. Прошло 5 минут шоу и в мое голове крутилась лишь одна мысль : «что то случилось? Раф что с тобой?». Вещи были будто из разных опер . Ультрамодные сапоги , которые еще не отслужили свое , казались ну совершенно не уместными с платьем в пол. Складывалось ощущение , что коллекцию сшили за неделю до fashion week. И вот  досмотрев до конца ,  потеряв дар речи , я начинаю обдумывать. Был ли это ход конем?Может Раф решил вылезти из привычной скорлупы?Поиграть с нами?

Долгое время его называли минималистом блягодаря работе в Jill Sander . Это клеймо не сходило с него , даже когда он занял пост директора Диор. Работа с архивами , точность , элегантность. ДНК Диор отражалась в каждой коллекциии.Долгими усилиями Диор возраждался будто под руководством самого маэстро.И вот появилось что то новое ! Возможно частичка самого Симонса . Лично я вижу с каждым сезоном все больше Рафа. Сезон 2015 стал новшеством.Это было резко и неожиданно. Я решила , что стоит пересмотреть еще раз. На удивление многие образы очень полюбились , я разглядела много поистенне великолепных вещей.Чудесную вышевку , сложный покрой,интересную фактуру.Наверное многие вещи в этом мире невозможно понять сразу , нужно время для размышления , как с хорошей книгой.Каждый раз перечитывая , находишь все больше новых деталей , великолепных и вдохновляющих.

Видео:

 

26scene-dior-slide-YTT2-jumbo26scene-dior-slide-RZ2X-jumbo26scene-dior-slide-LBAH-jumbo26scene-dior-slide-ESKC-jumbo26scene-dior-slide-GJJG-jumbo

Осень — не повод для депрессии

Осень , одно из самых замечательных времен года.Время когда можно помечтать , окунуться в милую сердцу меланхолию.Это время для старых и добрых поседелок с друзьями.Осень — муза единиц и миллионов.Но сегодня мы поговорим как не погрузиться с головой в  депрессию.   Поскольку стало все холоднее, а темнеет раньше, нужно грамотно спланировать свои вечера, чтобы не скучать. Это совсем не сложно, потому что после насыщенного дня, Вы можете посвятить время отдыху и саморазвитию. Составьте список книг, которые хотите прочитать. Обратите внимание на мотивирующие книги, например: «7 навыков высокоэффективных людей» Стивена Кови , «Сила воли» Келли МакГонигал , «Как писать хорошо» Уильяма Зинсер , а также на теплые и очень уместны осенью книги, например, «Теплые истории к кофе» Надежды Гербиш или «Кофейные истории» Макса Фрая (кстати, в последний Вы найдете несколько десятков новых рецептов заваривания домашнего кофе!). Таким образом, каждый вечер будет приносить Вам радость и позволит только за три осенних месяца получить новые знания!

2. Экспериментируйте с горячими напитками! Конечно, чай в пакетиках и растворимый кофе — это очень удобно. Но почему бы не попробовать заваривать собственный чай, например, из мяты и меда, или из тертого имбиря, из облепихи, шиповника? То же касается и кофе. Превратите утренний завтрак в традиционное заваривания ароматного только молотого кофе в турке, добавьте специи по вкусу (прекрасно подойдет корица, гвоздика, кардамон, имбирь, черный перец). Осенью также попробуйте приготовить домашний горячий шоколад. Благодаря таким небольшим секретам Вы сделаете осенние утра и вечера душистыми, вкусными и вдохновенными.

3. Учитесь! Даже если Вы ходите в университет, школу или уже работаете, найдите время и воспользуйтесь безграничными возможностями научиться чему-то новому в Интернете. С детства наш организм привык, что с 1 сентября начинается обучение, поэтому осень — это самая лучшая пора для развития и получения новых навыков. Хотите повысить уровень знаний английского языка? Вам помогут сервисы — Engvid , Lingualeo . Хотите прослушать лекции известных университетов мира? Тогда зайдите в Coursera. Мечтаете научиться делать незабываемые подарки своими руками? Для Вас собрано множество мастер-классов на разных сайтах. Читайте также: Как не заболеть осенью

4. Помните, как в детстве Вы мечтали побегать по лужам, или даже сделать бумажные кораблики и пускать их по большим «морским-дождевым путям»? Самое время вспомнить, что сейчас Вам можно гораздо больше, чем раньше. Найдите яркую резиновую обувь, сделайте множество корабликов, выйдите на улицу и вспомните раннее детство! Не забудьте поделиться своими кораблями с малышами из двора, они будут очень рады неожиданному сюрпризу.

5. Идите в лес. Осенний лес полон очарования. Вы можете собирать грибы с друзьями, а потом устроить пикник на природе. Это будут незабываемые впечатления. Только важно, чтобы вы или кто-то из ваших друзей хорошо разбирались, какие грибы можно брать, а какие грибы опасные. Читайте также: Как спастись от осенней депрессии

6. Соберите друзей на «Ночной сеанс просмотра любимых фильмов». Сделайте домашний попкорн, вспомните, какие фильмы всегда приносят Вам радость? Это могут быть волшебные и добрые варианты — «Гарри Поттер» , «Хроники Нарнии» , мультфильмы Диснея или Миядзаки , или любимые сериалы, которые хочется посмотреть. Также не забывайте о фильмах, которые мотивируют достигать собственных мечтаний — «Невероятное жизнь Уолтера Митти» , «Форест Гамп» и другие.

7. Организуйте Helloween — вечеринку. Можно прямо дома! Много внимания уделите вкусности и оформлению. Попробуйте приготовить глазированное печенье, где изобразите тыквы, летучих мышей, черных котов. Пригласите несколько друзей помочь в приготовлении, и испеките пирог в форме тыквы — это очень просто сделать, если покориться форме кексов, испечь две заготовки и склеить их с помощью крема. Если готовить Вы не любите, доверьте это дело другим, а сами купите настоящую тыкву (или даже несколько), и вырежьте из него символ Хэллоуина (заранее купите маленькие свечи). Сделайте или купите лучший костюм, задекорируйте приглашение для друзей, подберите плей-лист и найдите в сети игры для большого количества людей. Вы удивитесь, сколько вариантов можно найти — «Угадай персонажа» , «Контакт» , «Мафия» , настольные игры вроде «Диксит» и «Алиас» . Фоторепортаж: «Укрпочта» представила новые «сезонные» марки (ФОТО)

8. Уже сейчас начните планировать свой отдых на Новый год — это принесет Вам удовольствие и напомнит о праздниках, которые уже совсем близко. Договоритесь с теми, с кем хотите провести этот праздник, найдите свой список планов на 2014, потому что осень — это именно тот период, когда еще есть время довыполнить множество пунктов! Если планируете отдых в другом городе, то составлять маршрут и бронировать квартиру или дом стоит уже в октябре-ноябре. Воспользуйтесь удобной виртуальной доской для планов, и сделайте подробный список Ваших планов и желаний на осень (и не только!).

9. Дождитесь, пока аллеи парков превратятся в яркие полотна импрессионистов, берите фотоаппарат и близких, выключайте Интернет, телефон, телевизор, и идите гулять.Познакомьтесь со всеми, с кем откладываете встречи из за недостатка времени, больше разговаривайте, делитесь идеями, смейтесь, наслаждайтесь осенней прохладой и яркими цветами. Желтые, оранжевые, красные тона положительно влияют на человека, это доказано, пожалуй, множеством психологических исследований. Много времени проводите за прогулками и не забывайте о яркой одежде — теплые носки со смешными принтами, мягкие свитера, цветные шарфы. После таких «променадов» хорошее настроение обеспечено и Вам, и Вашим спутникам.

10. Улыбайтесь как можно больше. На улицы вышло солнце — улыбайтесь, потому все вокруг залито солнечными лучами. На улице дождь — улыбайтесь, потому что дома можно посмотреть фильм всей семьей, а если Вам нужно на улицу — это отличный шанс насчитать множество ярких зонтиков (например, фиолетовых). Вы и сами не заметите, как через 3 месяца Вы будете находить в каждой мелочи что-то радостное, и будете мыслить позитивно. А это — важнейшее требование для выполнения любых целей!

Источник : http://www.bagnet.org/

Спасибо за ссылку на источник Елизавете Макаренко .

0gtt-XPlw8E 2FX1XHR8jB8

12 ГЛАВНЫХ ТРЕНДОВ В FASHION-ФОТОГРАФИИ

12 ГЛАВНЫХ ТРЕНДОВ В FASHION-ФОТОГРАФИИ читайте на Bein

Принято считать, что фотографии в независимых журналах – это отказ от принятых в сфере глянцевой фотографии клише, но и среди авангардных съемок можно зафиксировать определенные тенденции, так или иначе отвечающие коммерческому спросу. Просто целевая аудитория другая….подробнее на

https://vk.com/away.php?to=http%3A%2F%2Fwww.be-in.ru%2Freview%2F33341-12-klishe-fashion-fotografii%2F&post=-44539286_3089

_jJ5ADnMfaqM ______1 Novembre-Magazine-Issue-8-FW-2013,-ph-Nicolas-Coulombtu6UoHEfgwM_______1

Antwerp SIX

 

Антверпенская шестерка

tumblr_lph9n8r0k21qjlopao1_500

 

Сегодня мы поговорим о легендарной Антверпенской шестерке , которая занимает особенно место в мире моды и в моем сердце. Небольшая предыстория по поводу бельгиских  ребят , этот блог и вся проведенная работа , бессоные ночи  посвященные  изучению моды , начались для меня именно с легендарых антверпенцов . Наткнувшись на них в 5 классе  в книге для девочек  ,я уже не могла остановиться , настолько вдохновляющими являются эти легенды мирового поудиума ! Надеюсь статья вас вдохновит  так же , как и меня в свое время.

В 1987 году шестеро модельеров вскладчину наняли небольшой автофургон, загрузили туда свои работы и отправились на лондонскую Неделю Моды. Там их дебют произвел эффект разорвавшейся бомбы.

Японские дети

К началу восьмидесятых европейская мода томилась и требовала реформ: одежда была нудно симметричная и сильно поднадоевшая. Ни мода повседневная, ни тем более высокая не предоставляли продвинутому пользователю свободы самовыражения. На подиумах преобладали наряды, которые сообщали о статусе хозяина, о возможностях его кошелька, а вовсе не о внутреннем мире. Статусная мода больше не устраивала интеллектуалов и оригиналов, им хотелось выделяться на фоне остального европейского населения. Так в мировой фэйшн-индустрии созрели революционные предпосылки.

Тогда и появились японцы-реформаторы: первый показ Рэй Кавакубо в Париже состоялся в 1980-м. Первый показ Йоши Ямомото там же – в 1981-м. Они остроумно играли с формами европейской одежды, ведь если ты пришел со стороны, то ломать стереотипы гораздо легче, не мешают веками впитанные запреты и ассоциации. Проще говоря, у японцев в голове не было жесткой схемы европейского платья или штанов, которая бы их ограничивала. Сделать три горловины, безразмерную хламиду, надеть ее вверх ногами? Легко — не кимоно же любимое деформируем.

Европейцы ошалели от такого свободного обращения с силуэтом. Эксперименты японцев кого-то возмущали, кого-то восхищали, и все же оставались для публики явлением экзотичным. На уровне приезжего цирка. Чтобы родился новый стиль, к японскому свободолюбию следовало добавить штрихи, бессознательно воспринимаемые как европейские. И это случилось: прогрессивные японцы разбудили антверпенских дизайнеров, выпускников Антверпенской Королевской Академии изящных искусств. «Все мы дети Реи Кавакубо и Йоджи Ямамото», — сказал потом Мартин Марджела, один из разбуженных. Молодые модельеры подхватили игру с трансформацией форм, переведя ее на язык, более понятный европейцам. И одежда стала постепенно менять свои «коды».

Причина периодических вспышек авангардизма в том, что «красивость» или украшательство по закону спирали стремятся перевоплотиться в новой «примитивистской» эстетике.

Так было в разгар Первой Мировой — шляпные композиции в стиле модерн достигли небывалых размеров и пышности, а Татлин с Малевичем в эскизах костюмов упрощали все до четырех прямых линий. Так было в 60-е в СССР – «соцреализм» становился все бодрее, ярче, все больше колосьев оказывалось в руках у колхозников, нарисованных на стенах Домов Культуры – и родился скептический «второй русский авангард» в мастерских Рабина, Плавинского, Немухина. Так случилось и в экономически благополучной Европе 80-х, когда среди засилья гламура явилась группа революционно настроенной молодежи из Антверпена.

Все историки моды пишут про фургончик, который отправился на лондонскую неделю высокой моды, и возникает образ бедных студентов, собирающих последние деньги на бензин. На самом деле ребята закончили учебу в Академии в 1981 году, и ко времени легендарного выступления каждый из них успел поработать в профессии. В 87-м им было аж по двадцать восемь. Просто впоследствии журналистам нечего было писать про тот исторический вояж, потому что ностальгических подробностей о дебюте не прибавилось. «Мы ненавидели друг друга, но не было выбора, приходилось держаться группой», – отрезала суровая Анн Демельмейстер. Художники — всегда индивидуалисты и не любят, когда им напоминают, что вначале приходилось объединяться.

Мартин Марджела, самый талантливый, к 1987-му и вовсе успел разругаться с остальными авангардистами, поэтому в Лондон не поехал, а отправился в Париж работать ассистентом у Жана-Поля Готье.

Итак, Анн Демельмейстер, Дирк Бикембергс, Дирк Ван Саэн, Дрис Ван Нотен, Марина Йи и Вальтер Ван Бейрендонк выступили в Лондоне, и это был успех. Они показали «актуальные» вещи, носибельные, но очень и очень продвинутые. В чем конкретно выражались новации? Привычный силуэт был расчленен и препарирован, швы вынесены наружу, ткани состарены, из них сшиты ассиметричные пиджаки и платья. Бельгийцы использовали безразмерность (oversize), они представили многослойную одежду, «рваные» майки и джинсы. Все то, что сегодня стало привычным, тогда шокировало и принесло славу. При этом молодые дизайнеры мастерски владели техникой кроя, отличались отменным вкусом в подборе фактуры, и их странные вещи не уродовали тех, кто их надевал, а украшали. Критики моды много написали о новаторах, но повторять их имена — нет уж, увольте. Бельгийцев просто сосчитали по пальцам рук и назвали «AntverpSix» – «Антверпенская шестерка» и даже «золотая шестерка». Стиль модельеров охарактеризовали как «концептуализм, деконструктивизм и интеллектуальный дизайн».

Некоторые их творения по оригинальности идеи и любовности исполнения приближались к произведениям искусства – и покупатели готовы были за это платить, у такой «авторской» одежды в Европе к тому времени сложилась хорошая потребительская ниша. Не только молодежь, но и сорокалетние, бывшие участники студенческих волнений 68-го, к тому времени состоятельные и состоявшиеся люди (в Париже их называют «БоБо», «буржуа-богема») – хотели носить «что-то особенное», без перьев-блесток-оборок, не в обтяжку и без золотой бляхи-лейбла на сумке.

Из «Золотой шестерки» в большой моде остались и сохранили устойчивый авторский стиль четверо: Дрис Ван Нотен, Дирк Бикембергс, Анн Демельмейстер и Вальтер Ван Бейрендонк. Обстоятельства, личные предпочтения, индивидуальное понимание рынка развело участников группы в разных направлениях.

Анн Демельмейстер. Черный квадрат, белый куб,

tumblr_n15mlrqN201su9vrwo1_500

Из всей компании у нее самый сильный характер. Лозунг Анн: «Хотеть понравиться – значит потерять себя!». На лондонских фотографиях 87-го года она запечатлена в черных колготках с дырками на коленках, это ее «Нате!» миру гламура. На протяжении последующих 20 лет Демельмейстер последовательно воплощала идеалы своей бунтарской юности. Анн всегда была такой, с идеалами. Им, например, соответствовала музыка Дженис Джоплин и Патти Смит, их композиции и следовало слушать; а когда романтичный Дирк Ван Саен однажды включил диско – она с ним подралась.

Уже в ранних ее коллекциях зрителей поразили длинные черные платья, грубые серебряные цепи, украшенные невесомыми перьями, безразмерные белые топы, широкие брюки, еле держащиеся на бедрах. Для Анн тесемки и стропы, которые называют ее «фетишами», — способ преодолеть силу земного притяжения и добиться, чтобы ткань драпировалась вопреки закону гравитации. «В моих вещах крой, сложный силуэт и фактура ткани — главное. Ничего не имею против обильного декора. Есть люди, которые это любят, их природа требует ярких цветов и обильного украшательства. Но это не мои люди. Я серьезный человек. Когда придумываю одежду, я не хочу, чтобы человек в ней выглядел йоркширским терьером, которого светская фифа нарядила для вечеринки», — говорит она.

Анн родилась в 1959 году в маленьком бельгийском городе, в католической семье, отец ее был торговцем кофе. Он объяснил ей в детстве, что если у человека есть талант, то это от Бога, и ты обязан развивать свой дар, служить ему. В середине 70-х Демельмейстер поступила в Королевскую Академию в Антверпене, там встретила будущего мужа. С 1985 года Анн вместе с мужем – он фотограф и дизайнер – живет и творит в единственном доме в Антверпене, построенном по проекту Ле Корбюзье. Это дом в форме белого куба.

Она не признает разделение на мужскую и женскую одежду, на повседневные и праздничные костюмы. Утверждает, что для нее понятие элегантности не имеет отношения к одежде, «элегантность – это идет изнутри», – повторяет она. Для Демельмейстер мода лишь один из способов поиска цельности и гармонии.

Когда в Казимир Малевич хотел довести до лаконичного знака идеальное сочетание формы и цвета, – у него получился черный квадрат на белом фоне (1915 год). Чем увенчались двадцатилетние поиски Анн? «Я считаю, что белый и черный – это основа искусства, архитектуры и моды… Мне никогда не были нужны остальные цвета – они отвлекали меня…. Я просто отталкиваюсь в творчестве от квадратного отреза белой ткани – и при этом испытываю возбуждение от начинания с нуля». «Новой одеждой» Демельмейстер назвала равносторонний прямоугольник с несколькими отверстиями, который просто оборачивается вокруг тела. Значит, у нее получился белый квадрат.

Но это в идеале. На практике Анн Демельмейстер, «королева авангарда», – создатель успешной марки, которая продается в 200 бутиках мира, в том числе 35% оборота приходится на США, что большая редкость для европейского дизайнера. Часть фирмы продана в «надежные руки», цены на одежду от Демельмейстер высоки. Говорят, из дома в форме куба семья переехала, купили что-то пореспектабельнее… Сегодня Анн учится жить для себя, «держать дистанцию между собой и работой», говорит об общении с природой, о любви к близким, о выращивании роз. «Я научилась останавливаться, чтобы держать свою жизнь в равновесии».

Дирк Бикембергс. Футбольный фанат

Dirk-Bikkembergs

Бикембергс родился в Германии, вырос в семье военного. Это у него на коленях сидит Анн Демельмейстер в рваных колготках на фото 87 года: она очень маленькая, а у Дирка баскетбольный рост. В 1986 г. он сделал свою первую коллекцию, – линию мужской обуви. Тогда же выработал формулу двойных швов, они нужны для прочности, чтобы сильные люди, даже размахивая руками, не сомневались в надежности бравой одежды от Вikkembergs. Считается, что в его работах есть влияние военной темы – тесно пригнанные детали, кожаные вставки.

В 2003-2004, два сезона, Бикембергс был официальным дизайнером итальянского миланского футбольного клуба «Интер». Итальянцы абы кому самое дорогое не доверят! Как выдающийся модельер Дирк признан и официально и неофициально. Официальное признание выражается в том, что он постоянно получает награды и премии. В 2004 году отмечен как лучший зарубежный модельер в рамках итальянской премии Oscar della Moda. Три года спустя получил от журнала Men’s Health награду как бизнесмен года, Businessman of the Year 2007, и награду Best Leisure Brand за лучший бренд.

А неофициальное признание марки Вikkembergs – подпольное. Его вещи увлеченно копируют нелегальные производители, потому что эту одежду покупают и те, кто поддерживает спортивную форму, и те, кто тусуется в ночных клубах.

Манекенщики на показах Бикембергса – супершоу мужской красоты, особенно когда демонстрируется нижнее белье. В июне 2007 года коллекцию мужского нижнего белья Bikkembergs Underwear представляли футболисты. На огромный подиум вышли лучшие футболисты мира в плавках, они прохаживались, неторопливо поворачивались и позировали с удовольствием. Зрелище было феерическое.

Дрис Ван Нотен. Денди

tumblr_lz50hg2yj81r5n9x4o1_1280

Дрис Ван Нотен умеет соединить несовместимое, чтобы на выходе получить гармоничное творение. Может соединить этнические мотивы и ткани с орнаментом, напоминающим о работах супрематистов 20-х годов. В общем, смелость и бездна вкуса, причем наследственного: модой занимались и его дед, и родители. Дрис Ван Нотен родился в Антверпене в 1958 году. Сегодня марка его имени продается в самом большом, 5-этажном магазине Антверпена, принадлежащем самому Ван Нотену, а также в Париже, Лондоне, Нью-Йорке и в Москве.

Больше всего магазинов, где можно купить его вещи, — в Японии, их 160. Почему именно эта страна? Ван Нотен умудряется внести шарм и новации в униформу трудоголиков – деловой костюм. Этот самый консервативный и жестко фиксированный ансамбль современной одежды. Японцы ценят изыски дизайнера, верят ему, считают модельером-интеллектуалом.

Утонченность Дриса Ван Нотена сказывается в выборе «образа» коллекции. То он представит шоу на тему «Великого Гэтсби» с большими двубортными пиджаками, то отошлет зрителей к «Заводному апельсину», рассыпав вкрапления «эко»-орнамента.

Коллекция Ван Нотена-2011 была посвящена Дэвиду Боуи образца 1976 года в образе Белого Герцога. Коллекция называется «Худой Белый Герцог». Ван Нотен стремился воплотить одновременно рафинированность и брутальность, как он сам сказал: «хотел создать нечто шикарное, но отнюдь не женственное». Сегодняшний роскошный мужчина, по видению дизайнера, выглядит так: одет в длинный жакет поверх свободных брюк. Дополнительные детали образа: объемные свитера крупной вязки а-ля советский геолог, воротнички и ассиметричные отвороты из грубого меха, «императорская» вышивка, строгие белые рубашки, британские темные плащи. В такой одежде менеджер какого-нибудь звена может свободно чувствовать себя белым и пушистым аристократом.

Вальтер Ван Бейрендонк. Киберпанк

tumblr_m59vv0DpW81rwxn2no1_500

У девушки на голове шляпа-котелок размером с десятилитровую кастрюлю, спереди из-под платья у нее торчит… хобот, белый слоненок (из бумаги) прячется под подолом ее зеленого кринолина. Зачем девушке прикрутили фаллический символ? Да даже и не символ, увеличенную шизофреническую модель… А для смеха! Так воплощается творческий метод Вальтера Ван Бейрендонка, называемый «эстетический терроризм». Одно время его марка называлась «Дикий Убойный Хлам» (Wild&Lethal Trash).

Он до сих пор играет, и с явным удовольствием: мультяшные персонажи, кислотные цвета, лица и руки, выкрашенные в цвет одежды, обувь на каблуке и яркие цветные лосины для мужчин, огромные наушники вместо шляп, да что угодно. Мальчикам комбинезоны парашютистов, для девушек – птицы, рыбы, слоны, выглядывающие из-под юбок. Вальтер Ван Бейрендонк ни в чем себе не отказывает, в 52 года умудрился сохранить ощущение радости, смеха, – это настоящее детское. Его показы театральны, а вещи скроены по лазерной технологии и выполнены с качеством, которое не часто встретишь в современной индустрии моды. Описывать его хулиганские выдумки дело неблагодарное, стоит один раз увидеть этот развеселый «трэш», хотя бы на фото. Известными клиентами Вальтера были группа U-2, Бьорк и Мэрилин Мэйсон. «Моя одежда, – объясняет экстремал, – рассчитана на высоких, низких, худых, толстых, красивых, страшных — все должны быть особенными. Так, может быть, рождается новая раса».

Четыре плюс два – опять шесть

«Шестерка» не может состоять из четверых, поэтому к «Антверп Six» упорно и ошибочно причисляют дизайнеров Мартина Марджелу и Жозефа Тимистера. Они приписаны по инерции, но в итоге получается правильно: шесть самых-самых. Из Антверпена.

Жозеф Мельхиор Тимистер с отличием окончил антверпенский факультет моды как раз в 1987-м. Поработал у Лагерфельда, затем в домах моды «Кристобаль Баленсиага» и «Жан Пату». Из дома Баленсиага он был уволен со скандалом после показа коллекции, посвященной террору — так что Тимистера запомнили.

В 2010 году, в возрасте 47 лет, Жозеф Тимистер впервые удивил своим индивидуальным выступлением. Чтобы создать сенсацию, он творил в затворничестве и занимал у друзей деньги. Коллекция, показанная в первый день Парижской Недели моды 2010 года, называлась «1915: Кровопролитие и Роскошь». По подиуму шли люди в одежде, напоминающей военную форму дореволюционной Российской Империи. Бабушка дизайнера оказалась русской и, разумеется, княгиней. Поэтому Тимистер близко к сердцу принимает судьбу русского дворянства, вот только не очень понятна дата – «1915».

Коллекция получилась действительно роскошной. Зловеще-красивой. Галифе бордового цвета и жакеты цвета хаки, красные пятна на серебристых в пол вечерних платьях дам. Пальто и куртки подбиты красным мехом, красные ленты через плечо у моделей, пятна и даже просто висящие нитки кровавого цвета. “Я работал под влиянием российских образов 1915 года, того удивительного времени, когда роскошь империи слилась с небывалым кровопролитием войны. Я уверен, что все основные проблемы сегодняшнего мира исходят из того времени”, – сказал Тимистер и добавил, что вдохновлялся фотографией наследника престола в военной форме.

Мартин Марджела, как мы помним, в 1987 году отправился в Париж работать ассистентом у Жан-Поля Готье. И с тех пор его никто не видел.

С 1992 года основатель модного дома МММ (Мезон Мартин Марджела) не выходит на поклон, не фотографируется и не дает интервью. Вопросы ему надо присылать по факсу, и если повезет, Марджела ответит. Но не обычным образом, а на средневековом французском, с вензелями. В сети есть единственное фото мужчины, которого предлагают считать ММ, но никто не может подтвердить соответствие, и выражение лица у молодого человека на фото – лукавое.

Пиар-фишка с полным отсутствием присутствия (или аутизм, сработавший как пиар) оказалась очень действенной. И как только его не называют: «невидимкой», и «тихим гением», «Сэлинджером мира моды». Предполагали, что Марджела миф, и его никогда не было. Или что он – женщина. А вдруг МММ вообще – финансовая пирамида?

Самое известное изобретение Марджелы – неожиданные «переделки», переворачивающие обыденное восприятие мира вещей. Жан-Поль Готье был сражен жилетом молодого модельера, созданным из осколков фаянса и проволоки. Потом был пуловер, сшитый из армейских носков, куртка, «вылепленная» из перчаток, дамская сумочка из мотоциклетного шлема, недопришитый воротник джемпера, вечернее платье из крашеного холста… Жакет из волос и жилет из игральных карт, туфли-копыта, ставшие отличительной особенностью бренда (скопированные впоследствии другими дизайнерами), костюмы леди Гага. Творения Марджелы давно стали выставочными и даже музейными экспонатами.

Многие копировали его идеи, но он все равно отличался в каждой детали. Не спутаешь с другими марками, например, мужские туфли, выкрашенные вручную масляной краской, темные очки узкой полоской из цельного стекла (такое «ветровое стекло» для глаз), неожиданные вставки телесного цвета, имитирующие обнаженное тело.Сегодня вещи марки МММ выглядят более сдержанно, но в них есть изысканная исключительность, и те, кто это понимает, остаются преданными клиентами Дома. Как креативный директор Balenciaga Николя Гескьер, который давно носит вещи с лейблом MММ.

Только ведь и лейбла МММ – тоже не существует. Пустые белые этикетки на одежде пришиты четырьмя кривыми стежками, на них нанесены лишь цифры от 0 до 23 (например, линия «22» – обувь, линия «1» – одежда для женщин, линия «10» – одежда для мужчин). Сотрудники МММ все одеты в белые медицинские халаты. Фирма не пользуется услугами известных манекенщиц, и это принципиально.

Так что в мире моды есть свой «мистер Икс». Вернее, был. В 2011 году главный акционер МММ Ренцо Россо (он же владелец Diesel) официально объявил, что господин Мартин Марджела больше не работает в фирме своего имени, он страшно устал от моды. Но «группа молодых и талантливых дизайнеров» бодро продолжает и будет продолжать дело МММ «совершенно в духе мастера»! Таким образом, улыбка талантливого Марджелы окончательно растаяла в воздухе. А был ли Мартин?

Подробнее о загадочно Мартине Марджеле ( МММ) можете прочитать в нашем же блоге (см. в архиве)

А  вы попробуете  узнать кто есть кто ?

tumblr_mi815hBv5c1qbo3jco5_1280tumblr_n2e0rdrkDq1qb1wbzo1_500dirk_bikkembergss1007-300x450tumblr_lzv1gurHWS1r1jqhco1_500

Одри Хэпберн

Одри Хэпберн

Одри Хэпберн – само воплощение элегантности. Эта женщина стала музой известного дизайнера Юбера Живанши. Он был не только ее другом, но еще и личным модельером. Интересно, что сам Живанши считал, что эта актриса сделала его известным, а Одри, в свою очередь, утверждала, что это он помог ей прославиться.

Дизайнер создавал костюмы не только для фильмов и светских приемов, но и для повседневной жизни. Он получил «Оскар» за костюм, сшитый для фильма «Сабрина». И в дальнейшем совместное творчество актрисы и модельера было исключительно плодотворным.

   

Простые, но элегантные формы и чистые цвета – так в двух словах можно охарактеризовать стиль Одри Хэпберн. Вычурные наряды ее не прельщали. Благодаря ей в моде 60-х появились блузы без рукавов, юбки-колокольчики, леггинсы и большие солнцезащитные очки. В ее время стали популярны укороченные брюки с балетками и водолазки.

Также актриса любила различные головные уборы: правильной формы шляпки придавали правильным чертам ее лица особую утонченность. Не пренебрегала актриса головными платочками и иногда повязывала их, как мужской галстук, на шею. Этот аксессуар подчеркивал ее выразительные глаз.

В детстве Одри занималась балетом, благодаря чему у нее была хрупкая и изящная фигура. Простота кроя, четкие линии, чистые цвета (белый, черный, красный, голубой, желтый) и внимание к деталям (колье, серьги, перчатки, пояс) – все это подчеркивало ее природную красоту и грациозность.

Несмотря на то, что гардероб актрисы был весьма разнообразен, у большинства людей образ Одри Хэпберн ассоциируется со строгим черным платьем-футляром и жемчужным колье.

Сама же актриса всегда считала секретом красоты женщины не одежду или внешние данные. Она говорила: «Чтобы губы были красивыми, говори добрые слова; чтобы глаза были красивыми, излучай добро; чтобы фигура была стройной, делись едой с голодными, а главное – красота женщины не в одежде, фигуре или прическе. Она – в блеске глаз».

Энди Уорхол

 

FG-_OUyCT0M

Энди Уорхол (Andy Warhol), наверно, является самой известной и противоречивой личностью в искусстве во второй половине двадцатого века. Он был одним из основоположников поп-арта и доказал что искусство может быть материально прибыльным. На протяжении всей своей жизни он создавал множество историй вокруг своей персоны. Уорхол занимался различными видами искусства, он был и коллекционером, и издателем журнала, и дизайнером, и кинорежиссером, и скульптором, и писателем, а так же художником и продюсером.
Так же как и противоречива вся его жизнь, так же противоречивы сведения о дате его рождения. Все называют разные года, это и 1927 год, и 1928 год, и 1930 год и упоминается всего две даты – 6 августа и 28 сентября. Уорхол утверждал, что он родился в августе 28 года. Как бы это ни было, одно известно точно, он появился на свет в городе Питтсбурге, который находится в штате Пенсильвания. При рождении ему дали имя Эндрью Вархола. Его семья был родом из Австро-Венгрии, из деревни Микова (на данный момент она находится в Словакии). У Уорхола было еще три старших брата. Семья очень рано потеряла отца. Детство у него прошло не очень сладко, он часто терпел обиды и побои от соседних мальчишек и хулиганов. Из-за этого факта, мальчик мало выходил на улицу и сидел все время дома. У него был свой рабочий стол, на котором он вырезал фигурки из разных журналов, клеил какие-то подделки, писал различные истории.
В период с 1945 года по 1949 год он учится в родном городе в институте Карнеги (Carnegie Mellon University), направленность которого – технологические специальности, в нем он изучал коммерческое искусство. Учился Энди Уорхол всегда хорошо и часто был непонятен своим учителям и однокурсникам. В то время он полностью соответствовал стереотипу гения.
Сразу после окончания образования он решился уехать в Нью-Йорк. Поначалу Энди оформлял витрины магазинов, делал открытки и плакаты, потом он стал художником иллюстратором в различных журналах, в том числе и «Vogue». Первый успех ему принесли рисунки для обувной компании «И.Миллер». Они представляли собой изображения обуви, нарисованные чернилами в эксцентричной манере, со специально сделанными кляксами.
Первая его крупная выставка прошла в 1952 году, которая вызвала большой успех. В это же время Энди Уорхол покупает себе дом в Манхэттене на East 33rd Street, где все больше и больше увлекается рисованием. В это время он уже зарабатывал около ста тысяч долларов в год и всё сильнее мечтает о «высоком искусстве».
Его псевдоним появился в случае опечатки в типографии одного из журналов, но Уорхол, когда прочитал своё новое имя, решил его оставить на всю свою последующую жизнь.
andy_warholt_9
В 1960 году он делает дизайн для банок Кока-кола, который, в последствии, стал культовым.
В начале шестидесятых, Уорхол рисует все больше карандашом, причем, в основном, только картины с долларовыми банкнотами.
Warhol-dollar
Переворотным для Энди Уорхола стал 1962 год, когда он создал серию картин с изображениями банок консерв и супов «Campbell`s». Эти рисунки были выполнены с помощью кричащих цветов. Они стали визитной карточкой художника. Показав эти работы на выставке, которая проходила в галерее «Stabl», в этом же году, он взорвал можно сказать бомбу. Энди Уорхол, в миг, стал сенсацией. Многие критики сказали, что эти картины Уорхола показывают всю пошлость, тупость и безликость всей западной культуры массового потребления. После этой выставки он сразу начал общаться с основными деятелями поп-арта, среди которых были Роберт Рауншенберг, Джаспер Джонс и Рой Лихтенштейн.
Warhol-Campbell'S_Soup_Can
С этого же года художник начал использовать технику шелкографии – это техника повторения одного и того же изображения. Эти повторения стали одним из свойств Уорхола. Под этот кислотный стиль попали изображения Эвиса Пресли, Лиз Тейлор, Мерлин Монро, Мика Джаггера, а так же множественное количество кока-колы. Все эти люди были кумирами того времени. Этот стиль у него не изменился на протяжении всей его жизни, менялись только сюжеты. Его длинные полотна и монотонное изображения на них, напоминали ряды продуктовых маркетов.
WarholBenz_Racing_Car
Скандальный стиль жизни Уорхола способствовал росту цен на работы художника, ходили слухи, что он просил свои друзей мочиться на картины в качестве последнего штриха. В наши дни его работы покупают за несколько десятков миллионов долларов.
В следующем 1963 году Энди перенес свою мастерскую в Манхэттен. Её все начали называть «Фабрикой». Её стены были окрашены серебрянкой. В ней тусили все его друзья и знакомые, жили и творили. На «Фабрике» обитало много наркоманов, где наркотики были в излишестве. Это наверно было первое место, где мастерскую нельзя было назвать местом для уединения. «Я пишу картины именно так, а не иначе потому, что хочу быть машиной, и я чувствую, что то, что я делаю, уподобляясь машине, – это то, что я хочу делать» — эти слова Уорхола были девизом «Фабрики».
andy_warholt_2
На своей «Фабрике» он сделал нечто похожее на «бизнес-арт», где он был предпринимателем. Мастерская выпускала его работниками до ста шелкографий в день. Этим всем Энди Уорхол поставил все устои классического искусства вверх дном. За два года «Фабрика» произвела более двух тысяч картин.
Для того чтобы создать шелкографию, люди приходили на «Фабрику» и фотографировались на обычный фотоаппарат, после чего Уорхол выбирал лучшую и переносил её увеличенную на холст.
На своих полотнах он делал всех суперзвездами, у него даже была рекламная акция, которая обещала «лучшее лицо от Уорхола». Такой эффект он достигал благодаря тому, что убирал морщины, срезал все лишнее, делал глаза красивее и т.д…
В это же время, не смотря на то, что Энди Уорхол ничего не понимал в музыке, он работал с группой «Velvet Underground». Для неё он был продюсером и создал дизайн первого их альбома. Следует заметить, что Энди разрабатывал дизайн обложек для групп «Sticky Fingers» и «The Rolling Stones». В 1966 году Уорхол создал для выступления «Velvet Underground» супер световое шоу, которое включало в себя множественные вспышки света, разноцветные лучи, а на экран выводились фильмы.
1965 год стал для художника переломным. Он назвал себя «художником в отставке» и заявил, что будет экспериментировать и работать в кино, но все же, у него, ни когда не получилось забросить создавать свои картины.
Энди Уорхол является одним из самых удачных режиссеров американского андеграунда, так как он известен многим. Первые его работы, такие как «Сон» («Sleep») и «Эмпайр» («Empire»), были абсолютно неподвижными. В первом фильме снятом в 1963 году, на экране показывают спящего человека в течении около 6 часов, надо заметить что в этом фильме абсолютно нету звука, а во втором в ночном пейзаже, статичной камерой, в течении восьми часов нам показывается небоскреб Эмпайр-Стейт-Билдинг. Свои фильмы Уорхол снимал вместе с Полом Морисси.
Большинство его фильмов не имеет сюжета, и идут они до двадцати пяти часов. В этих работах играют в основном работники и посетители «Фабрики». Среди которых были Эди Седжвик и Джо Далессандро.
Впервые, свой фирменный стиль в кино, называемый техникой «расколотого экрана», он применил в фильме «Пространство внешнее и внутреннее» («Outer and Inner Spase»), который Энди снял в 1965 году. Эта манера, в которой на экран выводится сразу две пленки, и экран разделен на две части и так же используется две звуковых дорожки, которые смешиваются между собой. Эта техника была применена в самом успешном его фильме, в коммерческом смысле, «Девушка из Челси» («Chelsea Girls»).
Warhol-girl_chelsea
Самый длинный его фильм, который идет в течении 25 часов, называется «****». В этом фильме Энди Уорхол накладывает одну пленку поверх другой. При просмотре кажется, что ты находишься в наркотическом состоянии.
В середине шестидесятых годов начинают выходить более менее сюжетные фильмы, обычно это были ленты эротического содержания, Энди Уорхол ни разу не принял в них участия. В 1969 году выходит полностью игровая картина под названием «Плоть», вскоре после это ещё вышел фильм «Мусор», который также был игровым. В конце шестидесятых выходит несколько фильмов с участием его группы — «Velvet Underground».
Результатом режиссерской работы Уорхола (за 5 лет) стало появление около шестисот фильмов. Более шестидесяти его работ были выпущены в свет.
В его роковой 1968 год была выпущена первая его книга «Уорхола А», она представляет собой телефонные разговоры, которые были записаны на его «Фабрике».
3 июня 1968 года одна из приверженец Энди Уорхола, которая работала на «Фабрике» -феминистка Валери Соланас, выстрелила мастеру в живо. Ранение было очень тяжелым, но его жизнь удалось спасти. После этого ранения он был инвалидом ещё 2 года. Это событие, как ни странно, закрепило за художником ещё больше легенд.
После этого происшествия Энди Уорхол изменил свой стиль жизни. Он стал постоянно бояться смерти, часто начал ходил в церковь и можно сказать потерял, какую-то свою искру, и говорил что «живет и не живет».
Он как чувствовал и ещё до покушения, начал уделять внимание в своих картинах такой тематике, как насильственная смерть. На его работах появились изображения автомобильных катастроф, посмертные изображения Мерилин Монро, электрические стулья. После выздоровления он ещё больше начал создавать изображения связанные со смертью.
Warhol-Disaster_Retrospective_Series
В этот период, а именно в 1969 году, он начал выпускать свой журнал, под названием «Интервью», который был очень популярным.
Энди Уорхол часто говорил о том, что хотел бы создать движущееся произведение искусства и в 1978 году он придумал как это сделать. Энди Уорхол разрисовал гоночный автомобиль любыми доступными подручными средствами: «Я пытался нарисовать, как выглядит скорость. Когда машина движется на большой скорости, все линии и цвета смазываются».
worholl-5
worholl-6
В 1975 году на свет выходит ещё одна его книга «Философия Энди Уорхола (от Э до Ъ и обратно)».
Он также подался в телевидение, где в 1980 году разработал концепцию собственного канала и естественно он был его директором.
К концу его жизни, людей стало больше привлекать его имидж супер-звезды, а его творчество все меньше интересовались.
22 февраля 1987 года Энди Уорхол умер в больнице, после операции по удалению желчного пузыря. Причиной всего этого было то злополучное ранение, которое Уорхол получил ещё в 1968 году.
Его братье забрали тело художника и увезли в родной город Питтсбург, где он был погребен в грекокатолической церкви Святого духа. Панихида проходила 1 апреля 1987 году, на ней присутствовало около двух тысяч человек.
Банковский счет Энди Уорхола составлял около 100 миллионов долларов. Все деньги, по завещанию, были отданы художественным организациям.
После смерти были опубликованы, в 1989 году, его дневники («The Andy WarholDiaries»).
Уорхол оставил после себя 610 запакованных коробок, называемыми «Временными капсулами». В них находятся вещи к которым он прикасался в течении всей своей жизни, это письма, фотографии, журналы, записки, так же были найдены в них платья и туфли знаменитостей. Одна коробка – один месяц. Энди собирался продавать их за сто долларов, но так и не успел.
Энди Уорхолу было 59 лет. За это время он превратился из хрупкого мальчика с серого города Питтсбурга в короля поп-арта.